1933. John Dillinger et sa bande sévissent dans le Chicago de l’après-crise de 29. Les banques sont les premières cibles des criminels devenus héros populaires d’une Amérique en déliquescence A l’image d’Al Capone, Dillinger fascine autant qu’il effraie un public lésé par les spéculations à outrance. En riposte, les autorités américaines déclarent la guerre au crime et crée le FBI. avec à sa tête John Edgar Hoover.

Oui mais voilà : le contexte politique et social dans lequel évolue Dillinger n’intéresse pas Michael Mann. John Dillinger c’est Johnny Depp qui prend des poses de malfrat, imite vaguement James Cagney en levant le sourcil et sort des pseudo phrases cultes : « J’aime le baseball, le cinéma, la sape, les bolides et… vous ! ».

Dillinger a une petite amie, Billie Frenchette (Marion Cotillard) pêchée dans un night-club où chante Diana Krall ! – pour l’ambiance jazz, on repassera. Quand Johnny embrasse Billie, Michael Mann met de la musique spéciale mélo pour dire que c’est là qu’il faut s’émouvoir. Il alterne avec des scènes de fusillades spectaculaires malheureusement gâchées par des sons aigus amplifiés : chargement d’un revolver, cliquetis de menottes ou ouverture de coffre-fort. Là, Michael Mann nous prévient qu’il y a de l’action. Christian Bale fait les gros yeux alors on sait que ça va barder. Les personnages secondaires nous font aussi passer le message : les mafieux locaux jouent les Pacino avec une crédibilité toute relative, les tenancières de maisons closes fument leur clope à la Garbo et les Marshals appelés en renfort ont le visage fermé pour avoir l’air méchant. Voilà pour l’ambiance années 30.  

Au début, le film démarre au quart de tour avec une évasion de prison orchestrée par Dillinger. L’un des complices blessé est traîné en voiture sur plusieurs mètres par un Dillinger qui ne peut se résoudre à lâcher son ami. L’abandon du corps sur la route laisse déjà présager de l’issue fatale de tout gangster. Après quelques braquages des plus philanthropiques - Dillinger braque les banques, pas les clients - le scénario s’embourbe dans un traitement superficiel : une histoire d’amour peu convaincante, un héros sans profondeur et des personnages secondaires peu étoffés. Seul le personnage de Melvin Purvis, joué par Christian Bale, semble un peu mieux maîtrisé.

La mise en scène est lourde. La photographie est parfois trop lumineuse voire jaune (à l’hippodrome, par exemple) ou trop pâle à d’autres moments (dans les rues de Chicago). Le tournage en HD (très efficace dans Collatéral) ici ne fonctionne pas et trahit une ambiance "années 30" déjà mal cernée. Dernier point faible, la durée : 2h15 avec beaucoup de longueurs et un manque de rythme évident.

Le film est plus proche d’un film d’action et du grand divertissement que d’un vrai biopic. On apprend très peu de choses sur la psychologie de John Dillinger et sur l’époque. Bizarre d’ailleurs, car dans les films de gangsters des années 30, références de Michael Mann pour son film, les réalisateurs s’étaient toujours appliqués à montrer la duplicité et la complexité des gangsters : James Cagney (L’ennemi public de William Wellman - 1931), Paul Muni (Scarface d’Howard Hawks – 1932) ou Edward G. Robinson (Le Petit César de Mervyn LeRoy – 1931) jouaient des personnages troubles presque névrotiques (L’enfer est à lui de Raoul Walsh – 1949) et incarnaient ainsi toute la violence de la société américaine de l’époque.

Mais visiblement, Public Enemies est avant tout du grand spectacle. A voir tout de même.

Oliver Stone retrace le parcours de George W. Bush. Le portrait se veut explosif : W est un crétin, W est alcoolique, W mange salement son hamburger et ses frites, W s’étouffe avec un bretzel… Pathétique Bush : il ne sait même pas faire « Président de la République » !

Mais à trop vouloir le ridiculiser, Oliver Stone finit par le déresponsabiliser complètement. Bush est un benêt qui se retrouve à la Maison Blanche juste pour impressionner Papa. Mais rien à faire, Bush Sénior n’a d’yeux que pour Jeb Bush, le petit frère modèle. En puis, c’est dur la politique ! W découvre que son équipe lui ment. Donald Rumsfeld dit « Rumy » et Dick Cheney alias « Vice » lui ont fait croire qu’il y avait des armes de destructions massives en Irak. Lui pensait vraiment qu’il y en avait et qu’il allait les trouver. Pauvre W, si naïf ! Il finit par engueuler son équipe, les larmes aux yeux de s’être fait berner comme ça. En fait, la guerre en Irak, ce n’est pas sa faute : ce sont Rumy et Vice les coupables !

Oliver Stone veut-il faire rire ou faire pleurer ? Visiblement mal à l’aise avec son sujet, Stone jongle maladroitement entre la satire et le biopic de base. Il alterne scènes de décisions politiques et gros plans sur Bush qui s’empiffre jusqu’à nous donner la nausée. En quoi le montrer sur ses toilettes et se gavant comme un porc le rend moins crédible en président ? On attendrait un peu plus de virulence dans le propos, mais on reste en surface. Tout sent l’imposture, la mascarade. Josh Brolin fait de son mieux, il imite la voix de Bush à la perfection. A part ça, il n’y a rien à se mettre sous la dent. Les autres personnages sont autant de figurants obsédés par leur ressemblance avec les originaux. On se prête au jeu du qui est qui, mais on regrette déjà la performance réduite au simple sosie. Colin Powell, le bon Samaritain, nous fait le coup des grimaces appuyées pour dire qu’il vote la guerre à contre-cœur. Condoleezza Rice émet des sons bizarres et dodeline de la tête comme les chiens en plastiques des voitures.

Personne ne sait réellement où se placer. On dirait des pantins lisant leur texte et cherchant des yeux un réalisateur fuyant sa propre mise en scène. Oliver Stone veut faire une parodie mais en même temps raconter la vraie vie de George W. Bush. La valse entre les genres nous fait perdre le fil. On rit un peu, on n’apprend pas grand-chose et on s’ennuie beaucoup devant un film bavard et quelque peu raté.

Après la mort d’une jeune prostituée durant son accouchement, une sage-femme enquête afin de retrouver la famille du nouveau-né. Sans le savoir, elle va mettre le nez dans une sombre histoire impliquant la mafia russe Londonienne.

Le film est profondément marqué par la dualité. C’est d’abord l’histoire d’une lutte très manichéenne. On assiste à un affrontement entre deux clans : la mafia russe contre la famille d’Anna,  le monde surréaliste de la pègre contre la réalité quotidienne des gens simples, et plus généralement la Haine contre l’Amour. On découvre également l’opposition entre deux modèles familiaux : d’une part,  le clan russe avec ses grandes fêtes de famille, ses règles à ne pas transgresser et la revendication de son identité et d’autre part, la déconstruction de la famille. Anna est séparée de son compagnon depuis sa fausse couche et est en conflit permanent avec son oncle qui semble pourtant être sa seule famille. Mais surtout, le personnage d’Anna est caractérisé par la perte de son identité slave : Anna ne parle pas russe et doit faire traduire le journal de la prostituée, ce qui l’amène à s’immiscer dans l’univers de la pègre. D’ailleurs, elle semble rejeter cette culture dont elle ne voit que les aspects sombres. Peu à peu, les deux modèles s’inversent. Les luttes de pouvoir, le crime et la haine gangrènent le clan russe tandis que la famille d’Anna se ressoude autour de l’enfant orphelin.
Les promesses de l’ombre aborde deux histoires parallèles par deux mouvements symboliques : d’un côté Anna qui creuse et découvre la noirceur de l’âme humaine, et de l’autre, Nikolaï qui émerge des profondeurs pour atteindre les sommets de la mafia. Et c’est justement à travers le personnage de Nikolaï que s’opère une ultime dualité. Nikolaï, sombre et ambiguë, ne laisse jamais dévoiler ses réelles intentions, pas même aux spectateurs. C’est avec la même froideur qu’il découpe les doigts d’un cadavre et qu’il sauve la vie du bébé. Qu’il soit chauffeur, homme de main de la pègre ou infiltré des services secrets, impossible de savoir avec certitudes de quel côté son cœur balance. Il le dit lui-même : « Je tourne à gauche, je tourne à droite… ». D’ailleurs ses choix restent obscurs jusqu’au bout : on ne sait pas s’il compromet son chef au nom de la justice, par vengeance après le piège du hammam ou pour prendre un jour sa place à la tête de la mafia. Infiltré jusqu’à y perdre son âme, il semble piégé dans cet univers criminel qu’il regarde à la fois avec cynisme et fascination.

Parfois naïf et souvent violent, le film est avant tout le lieu des désillusions, des promesses non tenues, des promesses de l’Est comme l’annonce le titre original, d’un eldorado rêvé devenu un cauchemar bien réel. Davis Cronenberg répond à l’horreur par la seule arme que possèdent les gens simples : l’Amour.

Mais qu’arrive t-il à Claude Chabrol ? Est-il un peu fatigué, désabusé ou tout simplement usé ? Toujours est-il que son dernier cru sent la piquette comme s’il avait, depuis quelques films déjà, du mal à se renouveler…

Explications : Gabrielle Deneige (Ludivine Sagnier), jeune miss météo d’une télé locale lyonnaise, rencontre dans les coulisses Charles Saint-Denis, un écrivain à succès. Elle qui n’a jamais ouvert un bouquin, se passionne soudainement pour l’écrivain qui représente tout : la richesse, la célébrité, le pouvoir et… l’expérience. Charles est marié à une femme insipide qui ne sait pas dire son texte correctement. Il est également proche de Mathilda May, son éditrice pulpeuse et libertine (est-ce bien crédible ?). Entre Gabrielle et Charles, c’est la grande passion. Mais un troisième larron vient y mettre son nez : Benoît Magimel alias Paul, un héritier provincial guindé dans ses costumes de bourgeois caricatural. Paul vit de ses rentes et à part parader dans sa décapotable avec son larbin, il ne fait pas grand-chose. Ah, si ! Il aime damer le pion à Saint-Denis, la star locale, dont il ne supporte pas la popularité. Il va donc essayer d’attirer Gabrielle dans ses filets mais il est assez maladroit et légèrement névrosé…

Comme dans les précédents films (La fleur du mal, La demoiselle d’honneur), les acteurs semblent coincés par la mise en scène Chabrolienne. Les personnages restent figés dans des postures caricaturales et une vision de la bourgeoisie un peu surannée. Si certains, comme Ludivine Sagnier ou François Berléand, jouent avec plus ou moins de sincérité, d’autres se contentent vraiment de réciter leur texte. Quant à Benoît Magimel, il surjoue jusqu’au ridicule. Son rôle de jeune rentier paraît trop caricatural pour lui : un mélange de dandy survolté et de vieille folle. A défaut de haïr ce jeune arrogant, on rit tellement Magimel se noie dans la démesure, même si cela reste plaisant de le voir dans un rôle inhabituel. On retrouve, ici et là, des références à Pas de printemps pour Marnie avec des plans entièrement empruntés à Hitchcock (Gabrielle au volant de sa décapotable, le gros plan sur son visage horrifié à la réception) mais Ludivine Sagnier n’est pas Tippi Hedren… Parfois, les dialogues semblent trop écrits, trop littéraires et cela manque cruellement réalisme.

Ici, Lyon a des allures de trou perdu. Chabrol ne prend donc pas la peine de s’attarder sur les décors, les paysages et les petites ruelles. Lyon manque de chaleur, de lumière et de vie. C’est une bourgade ennuyeuse où les notables locaux tuent le temps dans un manoir feutré dédié à l’échangisme. Le faux secret, assez vite éventé, autour du manoir des plaisirs est un élément trouble sensé révéler la vraie nature des personnages. Mais la révélation tombe à plat.

Ce qui est latent dans le film, c’est cette fascination des vieux libidineux pour la chair fraîche. Ludivine Sagnier est un petit chaperon rouge qui réveille des pulsions malsaines chez ceux qui la convoitent. Charles, Paul, son patron et même son oncle, fantasment sur une innocence suggérée et pourtant peu crédible. En effet, Ludivine Sagnier qui a tout d’une pin-up, a du mal à nous faire croire qu’elle n’a jamais vu le loup.

Le film est assez plat : platitude des lieux, de l’intrigue et des acteurs. Cela manque de relief. On ne baille pas car Magimel, en dandy un peu fofolle, nous maintient éveillé mais l’on se demande tout de même si Claude Chabrol n’est pas atteint d’une grosse fatigue. On attend le prochain film.  

C’est avec beaucoup d’impatience, que j’attendais le nouvel ovni signé David Lynch. Après le tortueux Lost Highway et l’envoûtant Mulholland Drive, il était difficile de faire mieux. D’ailleurs à l’époque de ce dernier, j’avais pensé que Lynch ne pourrait pas aller plus loin dans son art. Bizarrement, j’avais l’impression que Mulholland Drive était une sorte de finalité. Au delà de la vision métaphorique de l’ogre hollywoodien qui vampirise les âmes, je pensais qu’une partie du mystère Lynch avait été résolu. La rituelle opposition entre Bien et Mal, Blonde et Brune, Réel et Imaginaire, après s’être inversée au fil des films, s’était finalement muée en une seule et même entité. Le monde devenait le reflet de l’âme humaine, double et insondable, un couloir avec d’innombrables portes qu’il ne fallait pas forcément ouvrir. J’aimais cette idée que tout mystère ne devait pas forcément être résolu. Une fois qu’on l’avait compris, qu’est-ce que Lynch pouvait nous dire de plus ? Le réalisateur avait lui-même avoué ne pas être sûr de refaire un film. Pour moi, tout été dit. Il restait un ou deux projets inachevés comme Ronnie Rocket (une histoire évoluant dans un univers très industriel) qui n’a jamais vu le jour. Mais l’oeuvre inachevée reste une des caractéristiques indispensables de tout artiste accompli. Je restai donc là, déjà résignée à l’idée que Mullholland Drive serait bel et bien son dernier film, jusqu’à ce qu’apparaissent les premières rumeurs d’un nouveau film du grand Lynch. De rares informations glanées sur internet laissaient entendre que le film serait entièrement tourné en DV, avec sa muse de la première heure, Laura Dern (déjà vue dans Blue Velvet, Sailor et Lula) et que le film durerait trois heures (eh oui à l’époque on le savait déjà !). A part ça, peu de détails sur le sujet, l’intrigue et donc le coeur du film. Ma réaction a été très enthousiaste, un peu naïve et je l’avoue quelque peu stupide : c’est du Lynch, ce sera forcément génial, un vrai chef  d’oeuvre. Quelques mois avant sa sortie en France, des échos hollywoodiens parlaient d’une performance hallucinante de Laura Dern. Tout un programme ! Quelques jours avant le jour J, la bande-annonce très obscure entretenait le mystère et les critiques intellos passaient deux heures à expliquer que le film était inracontable. D’ailleurs je ne voulais pas entendre les critiques, les décryptages et toutes autres formes d’analyses qui risquaient d’altérer mon jugement sur les premières images du film. Mercredi 7 février : le film sort en salles en France. Il n’est pas dans beaucoup de salles parisiennes et la séance du soir, après le boulot, n’est pas avant 21h. Je décide d’attendre jusqu’à dimanche après-midi. Au moins j’aurais l’esprit clair pour bien appréhender toutes les subtilités du film. MK2 Bibliothèque, séance de 14h20. Salle A, l’une des plus grandes. Toute excitée, je monte les escaliers comptant les minutes qui me séparent du film. Une masse de gens s’agglutine devant les portes avec autant d’impatience. Enfin, nous entrons. Je cherche la meilleure place : la quatrième rangée en partant de l’avant, le siège le plus au centre de l’écran (une manie de cinéphile). La salle se remplit. Musique, bande-annonces, pubs... cela semble interminable. Allez, allez plus vite ! Les lumières s’éteignent enfin. Des successions de « chuuut » envahissent la salle. Le cauchemar commence...  

Nikki Grace, une jeune actrice, reçoit la visite de sa voisine, une vieille femme un peu étrange qui lui annonce qu’elle a obtenu un rôle. La jeune femme est en effet choisie pour interpréter le personnage de Susan dans une bluette hollywoodienne lourdement nommée On High in Blue Tomorrows (Là-haut dans les lendemains bleus). Nikki rencontre son partenaire Devon Burk qui joue Billy, son amant à l’écran. Les répétitions commencent mais très vite, des évènements étranges perturbent le tournage. Les acteurs se sentent épiés. C’est alors que le réalisateur avoue les faire jouer dans le remake d’un film maudit, dont le couple vedette mourut tragiquement avant la fin du tournage. Cette révélation sème le trouble chez les deux acteurs et notamment chez Nikki.

Difficile de discerner immédiatement le sens d’Inland Empire et c’est sans aucun doute ce qu’espère David Lynch : qu’on ne s’y retrouve pas. Nous entrons dans l’empire intérieur de Nikki/Susan, une femme multiple, naïve et perfide à la fois, virginale et machiavélique. Nous ne savons jamais vraiment qui est-ce que nous observons : Nikki ? Susan ? Nikki dans la peau de Susan ? Ou Laura Dern elle-même s’aventurant avec délectation dans le labyrinthe de Lynch ? Sans doute toutes ces femmes en même temps. Le métier d’actrice est fortement mêlé à celui de prostituée comme si jouer un rôle signifiait vendre son âme et perdre son identité. Nikki/Susan, quasi-possédée par le rôle d’une morte, n’existe pas dans cette fiction. Elle n’est plus que l’ombre d’elle-même, anéantie par un amour qui ne peut se réaliser et qui se résume à une simple coucherie sous les yeux d’un mari dépassé. Susan se perd dans ses illusions (elle espère l’amour de Billy/Devon) et son univers est une vaste farce. C’est un cirque à l’image de la tâche de ketchup surdimensionnée sur le t-shirt du mari.  La vie de couple est, elle aussi, une vaste plaisanterie représentée par des lapins en peluche qui miment une vie quotidienne fade et mécanique, devant un public nourri aux sitcoms. Le couple est inexistant quand il n’est pas en phase de décomposition.

Dans la continuité de Mullholland Drive, les paillettes côtoient le sordide. L’adultère prévisible confirme l’impossibilité d’un amour pure à Hollywood. L’histoire trouve un écho en Pologne, dans une chambre d’hôtel glauque où une femme brune voit Nikki, son double blond, jouer sa vie à l’écran. Tout n’est qu’un perpétuel recommencement. La chambre d’hôtel, où qu’elle soit, est le lieu de l’impossible, de l’adultère, de la trahison, de la perte d’identité. C’est là que se retrouve Nikki/Susan, entourée de prostituées qui constituent, chacune, une part d’elle-même. C’est là que se cristallisent ses angoisses et sa peur du monde extérieur. L’actrice étant une prostituée d’Hollywood, c’est tout naturellement qu’elle est plantée au tournevis le long d’une avenue et qu’elle agonise sous les yeux d’une SDF à la fois sénile et désabusée.

Mais tout n’est pas si clair dans Inland Empire. On nous parle du couple alors que le personnage est toujours seul, vampirisé par ses hallucinations et ses névroses. Le pendant polonais de cette histoire est également très obscure, parfois lourd, souvent incohérent. On ne comprend pas toujours ce que Lynch veut nous dire. Mais veut-il vraiment nous dire quelque chose ? Nous sommes souvent dans l’abstrait et nous cherchons vainement une explication qui n’existe pas.